Jan Cobbaert est un peintre, dessinateur, graveur, sculpteur, céramiste, créateur de vitraux et de bijoux belge, né à Heverlee le 24 juin 1909. Il peint aussi bien la vie de tous les jours que les plaisirs de vacances à la mer et, surtout, le monde de jeux et de fantaisie de ses enfants. Ses œuvres se présentent comme des images de totems qui rendent hommage à une nature exaltée. Tout au long de sa vie, Jan Cobbaert fait preuve d’une énergie indéfectible dans les nombreuses disciplines qu’il pratique, toujours avec la même puissance de travail, inlassablement, dans la joie.

Jan Cobbaert was een Belgische schilder, tekenaar, graveur, beeldhouwer, keramist, glas-in-loodontwerper en juwelenontwerper, geboren in Heverlee op 24 juni 1909. Hij schilderde het dagelijkse leven, de geneugten van vakanties aan zee en vooral de speel- en fantasiewereld van zijn kinderen. Zijn werken zijn als beelden van totems die hulde brengen aan een verheven natuur. Gedurende zijn hele leven toonde Jan Cobbaert een niet aflatende energie in de vele disciplines die hij beoefende, altijd werkend met dezelfde onvermoeibare kracht en vreugde.

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Léon Devos place son activité créatrice sous le signe d’une forme particulière de bonheur qui consiste à ressentir des impulsions intuitives et à les traduire plastiquement, sans littérature, sans rejet des matériaux traditionnels et sans remise en question du monde à chaque tableau. En lui s’impose une volonté quasi obsessionnelle de manifester son enthousiasme pour les épidermes humains accrochant bien la lumière ou encore pour la matité ou la brillance des surfaces végétales et minérales. Par l’utilisation d’une technique éprouvée, brillante et sensuelle, par un sens inné de la composition et des rythmes, Léon Devos offre à ses contemporains un modèle permanent de peinture pure et généreuse*.

* Camus, G., 1983. Notice sur Léon Devos. Bruxelles : Académie royale de Belgique.

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L’exposition Plaisir et géométrie dévoile, entre autres, les recherches picturales basées sur le travail de l’aquarelle de René Huin. Celui-ci explore la technique de l’aquarelle assez tardivement, vers l’âge de 60 ans. Il pratique cette technique à sa façon, de manière à obtenir des effets de matières différents de ce que l’aquarelle traditionnelle donne à voir habituellement. Les pigments les plus lourds des aquarelles forment, selon le vœu de l’artiste, des dépôts sédimentaires dans les pores d’un papier grenu.

Dans sa quête de poésie, René Huin transcende les limites avec le réel par la subtilité des rapports géométriques et colorés, par les nuances et les agencements chromatiques de ses compositions. Il faut, dit-il, qu’on ne puisse rien ajouter ou retirer : le décoratif, c’est la mort de l’œuvre d’art. Balançant entre l’abstraction géométrique et le réalisme le plus minutieux, il prône la liberté comme seul principe artistique.

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Jean-François Cobbaert est un peintre, dessinateur, graveur, sculpteur, céramiste, créateur de vitraux et de bijoux belge, né à Heverlee le 24 juin 1909. Cobbaert peint aussi bien la vie de tous les jours que les plaisirs de vacances à la mer et, surtout, le monde de jeux et de fantaisie de ses enfants. Il laisse libre cours à ses impulsions et produit de grandes toiles puissamment animées, faisant raisonner des couleurs éclatantes et se heurter des surfaces délimitées avec vigueur. Ses peintures se présentent comme des images de totems qui rendent hommage à une nature exaltée. La prédilection pour le rouge, le jaune, le bleu éclatants, s’accommode fort bien de roses délavés, de mauves tendres, de jaunes, de verts pastels et de blancs légèrement beiges ou orangés. Des couches superposées de couleurs font vibrer leur translucidité, atténuent ou intensifient certains tons en un jeu équilibré d’instinct.

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Par cette exposition dans ma galerie, qui s’enchaine sur celle du Musée, je souhaite rendre hommage à cet artiste hors du commun : Jean-Pierre Ghysels.
Ses œuvres sont à la fois puissantes et surprenantes, Ghysels se démarque par une ligne pure de chacune d’elles.
Ses sculptures de bronze et de cuivre, qui sont ses matériaux de prédilection, se caractérisent par des formes douces et dépouillées.
J’espère que le visiteur pourra se plonger dans celles-ci où l’alternance de pleins et de vides joue avec la lumière.
Je suis honoré de pouvoir montrer un ensemble aussi complet.

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Dans cette magistrale série de grands dessins à l’encre de Chine réalisés autour des années 1960, René Guiette témoigne d’une élégance de la main et d’une invention formelle uniques. Dans l’atelier, le silence est d’or. Méthode et ordre sont de rigueur. Le temps de la création est un temps de recueillement où les dispositions prises – choix du pinceau, du type de papier, des matériaux – sont autant de conditions susceptibles d’amener l’artiste à atteindre un état de grâce. Le papier devient le réceptacle de surgissements, telles des étincelles fulgurantes qui se déploient au sein d’un espace aux limites ondoyantes. L’équilibre harmonieux du dessin naît de la coexistence réussie entre le déploiement du signe et l’espace vide qui l’entoure.

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J’ai été séduit il y a quelques années en découvrant les œuvres tellement diversifiées tant dans les périodes que dans les couleurs qui composent chaque tableau de l’artiste Louis-Gustave Cambier.

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Dans son travail, René Huin fait cohabiter l’abstraction géométrique et la figuration hyperréaliste. Dans un cas comme dans l’autre, il réalise des compositions simplifiées et épurées ; il aime le dépouillement, le minimalisme. Pour lui, il s’agit uniquement et avant tout de peinture. Les objets n’ont qu’un intérêt secondaire, les formes, les contrastes, les couleurs et la lumière priment.

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Ce maître de la pensée et de l’émotion, qui est venu vers la sculpture par les chemins enchantés de la musique, y continue son voyage par les sentiers de la poésie, du dessin, de la gravure… L’art, pour lui, est identique à lui-même, parce qu’il y trouve, qu’elle qu’en soit l’expression, une occasion d’apporter au monde le même message, qui est avant tout le message de l’esprit et de l’âme.

Caractéristiques techniques du catalogue :
Couverture cartonnée.
Intérieur : papier Périgord Mat 170 g/m².

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À partir des années 1956-57, sa pratique artistique aborde quelque chose d’absolument nouveau. Il abandonne toute référence au réel, son propos ne consiste plus en une mise en abstraction de certains éléments de la réalité. Il s’agit maintenant pour Guiette de mettre son univers pictural au service d’un état d’esprit. Profondément imprégné de la pensée zen, celle-ci se reflète vivement dans l’atmosphère de ses œuvres par l’utilisation de signes orientaux. Ces derniers deviennent alors des équivalences de sa vie intérieure et de ses méditations.

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J’ai toujours été impressionné par le prestigieux travail d’Arthur Craco, artiste précurseur pour son époque.

Fort de ses œuvres à la fois puissantes et surprenantes, Arthur Craco se démarque tout autant par ses sculptures que par ses dessins et gravures.

Lui rendre hommage était pour moi une nécessité. Après de nombreux mois de préparation, c’est dès lors avec émotion que je lui consacre cette exposition au sein de ma galerie.

Cette dernière est le fruit de recherches approfondies et de nombreuses collectes d’œuvres, toutes provenant de collections privées.

Dès à présent, vous pouvez découvrir des céramiques aux couleurs et aux formes les plus contrastées les unes que les autres, des dessins percutants ainsi que des gravures insolites. Vous vous apercevrez que l’artiste n’a cessé d’affirmer sa maîtrise de la technique et de l’exploitation de la matière au fil des années.

J’espère que vous apprécierez toute l’attention apportée à la sélection pointilleuse et étoffée des œuvres que j’ai le plaisir de vous présenter à cette exposition.

Caractéristiques techniques du catalogue :
Couverture cartonnée.
Intérieur : papier Périgord Mat 170 g/m².

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Rentrez dans l’intimité touchante de cet infatigable dessinateur qui croquait sur le vif ses proches – femme, enfants, amis –, ainsi que de nombreux paysages, lieux témoins de sa vie et de ses voyages.

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Peintre, sculpteur, graveur et créateur de tapisseries, de céramiques, de bijoux et de foulards, Jo Delahaut est le plus grand représentant de l’abstraction géométrique en Belgique après 1945. Son style sévère et épuré dans les lignes et les formes, mais puissant dans l’utilisation de la couleur, est tout à fait reconnaissable. Résolument constructivistes, ses œuvres sont marquées par une composition ordonnée, maîtrisée et calme, invitant à une forme de méditation introspective, ou, au contraire, à un voyage émotionnel provoqué par le choc de couleurs pures et vives.

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Natalino Andolfatto (1933 - ) est un sculpteur italien dont le matériau de prédilection est, à côté du marbre blanc de Carrare, le marbre noir de Belgique – utilisés tous deux pour leur absence de chromatisme. « J’aime ce qui est pur » affirme Natalino et cette tendance s’observe aussi bien dans le choix de la pierre que dans la forme qu’il sculpte entièrement de ses mains. Marquée par la tradition cubiste, la stylisation des lignes conduit l’oeuvre aux portes de l’abstraction sans jamais y parvenir complètement ; le résultat prend plutôt l’aspect d’un assemblage de formes stylisées et maintenues dans un équilibre qui semble précaire, comme si elles étaient suspendues dans le temps et l’espace.

Une grande partie de la carrière d’Andolfatto se déroule à Paris, où il est pendant plusieurs années l’assistant et l’ami d’Ossip Zadkine. Dès les années 60, sa carrière est lancée et il expose dans divers salons de grande envergure comme le Salon de la Jeune Sculpture ou le Salon des Réalités Nouvelles. A Paris, il fait la connaissance nombreux artistes internationaux, dont le Belge Luc Peire, avec qui il se lie d’amitié. En signe de leur attachement mutuel, les deux hommes décidèrent de s’échanger une oeuvre, expliquant ainsi la présence d’une grande sculpture de Natalino Andolfatto à la Fondation Jenny & Luc Peire de Knokke.

Témoin de l’évolution des arts plastiques à Paris dans les années 50-70, la grande amatrice d’art et collectionneuse avertie Jeanne Matossian comptait parmi les fervents soutiens du sculpteur. Jusqu’en 2010, on pouvait ainsi admirer les oeuvres de Natalino au Musée d’Art moderne d’Ostende, qui les avait reçu en prêt de la part de la fondation Matossian.

Le catalogue reflète l’exposition organisée par la Lancz Gallery en mai-juin 2019 et regroupe un ensemble de trente-quatre sculptures et dix dessins.

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Louis Buisseret, né à Binche en 1888, cofondateur du groupe hennuyer Nervia est un peintre et graveur réaliste.

Peintre de l’intime, on le connait surtout pour ses nombreux portraits dans lesquels ressortent la beauté et la pureté de l’humain.

Élève de Jean Delville et d’Herman Richir, l’artiste mêle dans son œuvre un certain héritage symboliste à un esprit métaphysique.

Buisseret recense une œuvre sensible, empreinte de calme et de sérénité. À son image.

L’exposition présente essentiellement des esquisses, dont la plupart sont inédites. Au total, c’est une cinquantaine d’œuvres qui sont présentées.

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Francine Holley et la peinture, c’est une histoire d’amour qui dure depuis plus de quatre-vingt ans. Elle fait ses débuts dans l’atelier de Mathilde du Monceau, où elle acquiert la technique de la peinture à l’huile. Ses premiers sujets sont classiques, passant des paysages et natures mortes aux portraits. Elle s’installe à Paris en 1946, où elle fréquente les ateliers d’André Lhote et de Fernand Léger. Ces influences cubistes l’entraînent petit à petit vers l’abstraction, qu’elle adopte de manière définitive au début des années cinquante. Proche du groupe belge Art Abstrait, elle travaille parallèlement à l’Académie de la Grande Chaumière à Paris, où Jean Dewasne et Edgard Pillet viennent d’ouvrir un atelier consacré à l’art abstrait.

Francine Holley détient ce désir constant de tester les limites esthétiques de son art et voit ainsi sa carrière marquée par plusieurs périodes, plus ou moins expérimentales. Citons ses encres mouillées (1961-1981), ses Totems (1963-1978) et, bien entendu, ses sublimes travaux inspirés de son autre passion, la musique (1977-1998).

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Ferdinand Vonck est l’un de ces artistes belges marquants de l’époque d’après-guerre qui, malgré son immense talent, n’a pas été suffisamment reconnu. Probablement dû à sa grande discrétion. Ami de Luc Peire, ce dernier lui proposa même d’aller travailler dans l’atelier d’Ossip Zadkine à Paris – ce qu’il refusa.

Autodidacte et attiré par l’espace, Vonck se lance dans la sculpture abstraite dans les années cinquante, après des années prolifiques d’art figuratif. La galerie tient à rendre à ce grand artiste l’hommage amplement mérité. L’exposition présente ainsi une dizaine de sculptures (bois, bronze, métal, laiton, terre cuite), des dessins, des collages et des peintures représentatives de toute la palette de l’artiste depuis les années quarante.

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L’année 2017 marque le dixième anniversaire de la disparition d’un grand artiste belge; Gilbert Decock, qui nous a quittés le 23 septembre 2007. Cette rentrée, Patrick Lancz rend hommage à cet artiste unique en son genre. Déclinant le cercle et le carré sous toutes ses variations possibles, Decock nous propose une oeuvre spirituelle incroyable. A travers cette exposition, nous vous invitons à voyager dans le monde géométrique de cet amoureux des formes.

Près d’une trentaine d’oeuvres ont été sélectionnées, témoignant ensemble des différentes périodes de l’artiste depuis les années soixante jusqu’aux années deux mille. Gouaches, huiles et sculptures alimentent l’exposition.

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